Hasta el 21 de junio, el Complesso del Vittoriano (Roma) ofrece una amplia retrospectiva del artista bolonés con más de un centenar de obras seleccionadas por su gran nivel cualitativo. La muestra ofrece al visitante una lectura que hace hincapié en el recorrido mental experimentado por Giorgio Morandi y su constante trayectoria investigativa
Giorgio Morandi (Bolonia, 1890-1964) vuelve a Roma en una amplia retrospectiva, la última vez que se le dedicó una gran exposición fue en 1973 en la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma, comisariada por Cesare Brandi. Ahora la capital italiana le renueva su más alta consideración con más de un centenar de obras seleccionadas por su gran nivel cualitativo, que resaltan el recorrido mental experimentado por el maestro boloñés en la profundización de los temas recurrentes en su arte y la constante trayectoria investigativa. Así, el visitante podrá captar la magnitud de su pintura o, según una declaración suya, “tocar el fondo, la esencia de las cosas”.
Flores, 1950, óleo sobre lienzo, 40 x 35 cm, Milán, colección privada. Foto: Matteo Zarbo. Arriba, Naturaleza muerta, 1957, óleo sobre lienzo, 35 x 40,5 cm, Milán, colección privada. Todas las imágenes, cortesía de Complesso del Vittoriano.
La talla artística de Morandi es indiscutible, constituye una figura de importancia capital en la historia del arte italiano y un gran protagonista de la pintura moderna europea.
Su producción despega en el surco de las vanguardias y de la tradición italiana para culminar en la de los últimos años, caracterizada por una enjuta esencialidad, permeada de una moderna inquietud.
Naturaleza muerta, 1953, óleo sobre lienzo, 35,5 x 45,5 cm, Mamiano di Traversetolo (Parma), Fundación Magnani Rocca © 2015. Foto: Scala, Firenze.
El contenido de la monográfica romana respeta el orden cronológico, centrado en los temas recurrentes del artista, repetidos y al mismo tiempo renovados: “Autorretratos”, “Naturalezas muertas”, “Paisajes y Flores” para reconstruir el universo artístico de Morandi, en todas las disciplinas artísticas que practicó paralelamente, como pintura, grabado, acuarela y dibujo.
Morandi se forma en la Academia de Bellas Artes de Bolonia, que raramente abandonaba. Desde su estudio boloñés, donde evoluciona su existencia humana y profesional, su aislamiento proverbial no le impide fusionar la renovación artística europea con la lección de los grandes maestros del pasado: Piero della Francesca, Rembrandt, Chardin, Corot o Renoir y, especialmente, Cézanne.
Desde 1912 se dedica al grabado, si bien los períodos más intensos de su actividad gráfica se concentran entre 1921-1924 y 1927-1934, en los que ejerce de profesor de esta técnica.
Paisaje, 192, óleo sobre lienzo, 62 x 47 cm, Cámara de los Diputados. Foto: Giuseppe Schiavinotto.
Desde muy joven se nutre del arte de Cézanne que le transmite un gran vigor, como se puede apreciar en Paisaje de 1911, su primera obra conocida, y Naturaleza muerta de 1912.
Su primera exposición se remonta a 1914, junto a Osvaldo Licini; sigue con la colectiva de Roma de los pintores de la Secesión Romana, y en la también colectiva futurista de la Galería Sprovieri. Si bien su lenguaje permanece ajeno a las formulaciones futuristas, así como a las cubistas. Mientras su integración en la pintura metafísica, de breve duración, agudiza su contacto con el mundo poético de los antiguos pintores humanistas.
Obras como Naturaleza muerta de la Colección Jucker ya expresan la íntima esencia de la pintura de Morandi, cuya grandeza estriba también en haber hecho coincidir las formas desnudas, los tonos y los equilibrios cromáticos y espaciales de objetos de uso diario, valga el ejemplo de Naturaleza Muerta (1916) del MoMA de Nueva York.
Hacia 1920, el estilo del artista alcanzó su mayor pureza y esencialidad, en la soledad de las flores y de la Naturaleza muerta de la Colección Vitali.
Paisaje (Paesaggio con i fili della luce), 1940, óleo sobre lienzo, 34,5 x 31 cm, Florencia, Fundación de Estudios de Historia del Arte Roberto Longhi,
Foto: Claudio Giusti – Lastra a Signa, Florencia.
En los grabados y en los lienzos desde 1921 a 1924, el pintor retoma el paisaje con una intensificación de los valores de blanco y negro. A esta época pertenecen las Flores de 1924 y en las naturalezas muertas de 1931, demuestra su inexaurible capacidad de variar en la invención los tonos claroscuros de los más sencillos objetos de la vida cotidiana y en el logro de esa esencialidad motivo dominante de su poética. Como declara el director de cine, Ferzan Ozpetek: “El gran ausente en la pintura de Morandi es el ser humano. Sin embargo, sus pinturas palpitan de vida… porque la vida que tienen estas naturalezas (para nada muertas) es la que les proporciona la mirada del pintor -la opción de los colores y del corte del cuadro-, su punto de vista, tan afín a la solución que un director de cine elige para el encuadre”.
Desde 1945 su arte se expresa en el área espacial de paisajes de colores enrarecidos y en las hileras de botellas evocadas con perentoria intensidad. Una intensidad formal representada en los lienzos que se renueva en los estupendos grabados (forman un corpus de 131 piezas), reconocidos antes que sus pinturas, de cuyas matrices se exponen algunos ejemplares de la Calcografía Nacional de Roma.
Carmen del VANDO BLANCO