La Fundación Antonio Pérez de Cuenca acoge una exposición que muestra 17 dibujos de la primera época del artista norteamericano junto a los de los creadores de la galería Theredoom de Madrid: Boyer Tresaco, Pedro Castrortega, Yolanda Relinque y Jean Paul Cortin. Hasta el 8 de mayo
Warhol · Original Works | Drawing and mixed media · Todo empezó así… es un proyecto expositivo que ha sido desarrollado por la Galería Theredoom de Madrid en colaboración con la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts de Nueva York. Comisariada por el creador, y también participante en la muestra, Boyer Tresaco, la muestra exhibe un total de 17 dibujos del artista icono del Pop Art realizadas en torno a los años cincuenta, lo que permite al visitante conocer las obras iniciales de su trayectoria.
Sobre estas líneas, dibujo de Andy Warhol. Arriba, In the Bottom of my Garden, acuarela.
Todas estas obras ilustran nada más que una década del artista, pero no por ello tienen poco que contarnos, sino todo lo contrario. En ellas descubrimos sus pasiones, sus fetiches, su amor maternal, así como la dependencia que tuvo hacia esta. En esa década el visitante descubrirá las direcciones que decidió tomar para guiar su camino a la fama, de dónde bebió para alcanzarla y, finalmente, gracias a las obras firmadas de los ochenta, el éxito que tuvo Andy Warhol para cambiar su tiempo y la historia.
Durante estos años, Warhol comenzó a formar un estilo propio y único que posteriormente le impulsó a la fama. Todas estas piezas únicas, de carácter excepcional, carecen de la huella litográfica o serigráfica que posteriormente protagonizó su producción. Es en ese momento de producción única en el que se centra la exposición, aunque también habrá que dar algún salto a la década de los ochenta para entender su evolución.
Hay que partir de su llegada a Nueva York, cuando comienza a utilizar la técnica denominada blotted line, muy utilizada por el artista en los encargos publicitarios. Esta fue supuestamente descubierta por Andy Warhol mientras secaba un dibujo en tinta, colocando un papel sobre el dibujo para que absorbiese el exceso, una técnica que podría asemejarse a una serigrafía manual o casera. A esta técnica pertenecen obras como Christmas Topiary (tinta y lápiz sobre papel), Fruit Tree (Indian Ink sobre papel vegetal) o Shrubbery (anilina y témpera sobre papel).
Continuando con esta técnica pero variando el estilo a uno más comercial, con una intención más icónica y que refleja algunos de sus fetiches más característicos, son algunas de las obras más llamativas de la exposición (Leg and Shoe y Conical Dessert In Cup) y en las que hay una mayor aproximación al estilo que posteriormente tomará el artista pop.
Por tanto, Warhol ya tenía suficientes habilidades técnicas a su llegada a Nueva York para desarrollar su carrera como artista comercial o ilustrador, tanto para revistas como para la industria de la moda. En los años previos a la llegada de su madre a la ciudad, Warhol disfrutó de una libertad que definió lo que fue su estilo gráfico con un reconocible esquema lineal, convirtiéndolo en su propia firma. Fue eliminando las líneas en lápiz, los sombreados y los encuadres excéntricos para sustituirlos por marcas de zapatos, gatos, ángeles, acróbatas y otras figuras inspiradas en fotografías de revistas o periódicos.
Durante los primeros años de la década de los cincuenta, debido al éxito de su carrera como artista comercial, se conservan muy pocos dibujos de aquella época, aunque nunca dejó de hacer retratos y bocetos en bolígrafo, algunos de los cuales se reúnen hoy en esta exposición. En ellos se percibe la influencia que tuvieron en Warhol artistas como Matisse, Cocteau, los retratos y los desnudos que realizó Picasso en los años veinte, el realismo norteamericano de Paul Cadmus, Charles Demuth o Ben Shahn. La mayoría de los trabajos conservados de ésta época son retratos a chicos jóvenes, haciendo especial hincapié en los cuerpos, sobre todo en los pies, los penes y las cabezas.
Apenas empleaba el sombreado y la localización espacial, al representar las figuras centradas en la imagen, adornadas habitualmente con bocadillos de texto, corazones, besos o dedicatorias, y rara vez incluyendo su firma o la fecha de ejecución al tratarse de bocetos o dibujos.
Desde sus comienzos se adivina una intencionada planitud, estilo denominado flatness, y el deseo de eliminar las huellas del artista, aunque estas características fueron marcándose más en su obra con el paso del tiempo, también influido por Jasper Johns y Claes Oldenburg. En los años sesenta, especialmente en 1962, realizó varios bodegones basados en fotografías, en los que, exclusivamente, delimitaba las sombras y la tridimensionalidad de los objetos.
Tanto en sus dibujos tempranos como en las obras más tardías, posteriores a la fundación de The Factory, Warhol rechazó un estilo propio en favor de la producción colectiva. En los años cincuenta el artista fue gestando el Pop Art mientras trabajaba como artista comercial e ilustrador de moda. Durante estos años pintaba por encargo, para proyectos concretos, aunque también lo hacía por placer. Sus trabajos, aunque fuesen exitosos anuncios, se expusieron en Gotham Book Mart Gallery en 1971. En resumen, estas imágenes son mucho más que meros documentos de la prehistoria del Pop Art, de hecho pueden ofrecer, en ciertas ocasiones, un mayor atractivo o más información del movimiento que las obras más pragmáticas del mismo.
Hacia el 1962-63, tras haber desarrollado completamente el concepto del Pop Art, dejó de realizar este tipo de dibujos durante aproximadamente una década. Para redondear y explicar la evolución artística de Warhol, en esta exposición se exhibe también una serie de obras realizadas en la década de los ochenta. En ellas se puede ver lo que en las anteriores era solo un atisbo: esa tendencia a la reiteración y a la búsqueda del mito, repitiendo incansablemente los rostros de las figuras más representativas del siglo XX. Warhol revolucionó el mundo con sus creaciones, a través de la sencillez de retratos en los que aplicaba la perfecta dosis de Pop.
