PHotoEspaña 2015

En este año, las sedes colaboradoras han sido el Art Center South Florida de Miami, el Centro de la Imagen de Lima y el Instituto Sonorense de Cultura de Hermosillo, en México. En este último, el fotógrafo valenciano Ignacio Evangelista residió durante dos meses, un licenciado en psicología cuya carrera fue orientada a la creación fotográfica, disciplina que imparte en la Universidad Rey Juan Carlos desde 2012 con el título de Fotografía Creativa. Por su parte, el enviado desde Hermosillo al CAA ha sido Carlos Iván Hernández, fotógrafo fundamental en el panorama renovador de Sonora, disfrutó de su estancia en el CAA.Maricel Delgado, fotógrafa peruana con gran trayectoria a sus espaldas, cuyo trabajo ha sido expuesto es numerosas capitales del mundo desde 1998, ha sido la artista residente en el CAA por parte del Centro de la Imagen de Lima, receptor del madrileño Andrés Pachón, premio ARCOmadrid 2014. Los últimos trabajos de este fotógrafo como Taxidermia o In Memoriam, han tenido gran repercusión en la revista MATADOR o en el libro Arte español contemporáneo, 1992-2013.Por último, el Art Center South Florida de Miami aporta a este programa de residencias la creatividad de Yuri Tuma, artista multidisciplinar que recibió un premio de reconocimiento en el Art Basel de Miami de 2013 y cuya obra ha sido expuesta en ferias de arte como las de Nueva York, Shanghái o Sao Paulo. El centro de Miami recibe a Julio Galeote, ingeniero industrial reconvertido a la fotografía a través de sus estudios en MA Fine Art Photography de Royal College of Art de Londres y EFTI Madrid.Esta experiencia cristalizará con el premio de un fotolibro del ganador elegido por el jurado, con una dotación de 6.000 euros y el Centro de Arte Alcobendas tiene previsto repetirla en las ediciones próximas, como un enriquecimiento de reciprocidad entre artistas y centros de promoción artística.LATIN FIRE. CentroCentro Cibeles. Hasta el 13 de septiembre

Latin Fire, fuego latino, es probablemente la muestra estrella de la presente edición de PHotoEspaña, dedicada a fotografía de América Latina. El nexo de unión entre las obras, de la colección Anna Gamazo de Abelló, es ante todo su carácter documental. Más que estar ante una selección de fotografía artística lo estamos ante una en la que prima el reporterismo gráfico, sea de bodas, como la excelente imagen que se ha usado para cartel: Boda en Coyoacán, 1983, de Pedro Meyer, sea de enfrentamientos armados, represión de manifestaciones, la magnífica cobertura de Korda sobre la revolución cubana triunfanteo la imagen anónima del cadáver del Che Guevara,abatido a traición en Bolivia y mostrado por sus verdugos como un trofeo de caza y advertencia a opositores.

Reporterismo, y dentro de este, primacía de la violencia. No solo porque esta es más informativa, más “morbosa” que la crónica de lo cotidiano antropológico, sino porque el periodo cronológico que abarca la muestra, la segunda mitad del siglo XX en el continente, está marcada por la sangre. Desde la revolución cubana y su exportación guevariana al altiplano andino hasta las dictaduras militares del Cono Sur (Argentina, Chile, Uruguay..) alentadas por Estados Unidos, con su elevado coste de dolor y muerte.

Tampoco está ausente la otra violencia, menos llamativa, pero no menos escandalosa, la de la miseria de la vida cotidiana, el hacinamiento en las grandes urbes latinoamericanas, los asaltos, las pandillas armadas, la desesperanza de los desposeídos.

Latin Fire se puede leer como la crónica de unas décadas de crisis en la que brillan de vez en cuando destellos dehumor y costumbrismo que no quitan hierro al conjunto. Fuego latino, sí, y además fuego real, a bocajarro, nada de salvas. (En la imagen que abre este post, Manifestantes levantan una barricada para repudiar las medidas económicas del gobierno de Fernando de la Rúa, por Eduardo Longoria, 2001).

SCHAPIRO. Retrospectiva, Centro de Historias. Zaragoza. Hasta el 23 de agosto

Sus instantáneas son tan míticas como los personajes retratados en ellas. Fotógrafo documental de la sociedad estadounidense y de los rodajes de películas de culto, Schapiro lleva medio siglo detrás del objetivo, captando la intimidad de celebridades como Jack Nicholson o Woody Allen. Desde el 4 de junio se puede disfrutar una muestra retrospectiva con fotografías inéditas de este artista en una de las sedes de PHotoespaña 2015 fuera de la capital.

El zaragozano Centro de Historias recoge un proyecto que muestra en cuatro series el trabajo de Schapiro. La primera de ellas nos acerca a la espontaneidad y naturalidad de personalidades como Tina Turner, Truman Capote o el mismísmo Kennedy, retratando a la persona sin el personaje. La sofisticación de Andy Warhol y la Velvet Underground ocupan los muros de la segunda serie, mientras que la tercera saca a la luz las entretelas de rodajes hollywodienses tan célebres como Taxi Driver o El Padrino. Schapiro es el captor de miradas tan geniales y perturbadoras como la de Robert de Niro en la piel de Travis Bickle, o de la majestuosidad de Marlon Brando como Don Vito Corleone.

La mirada de Schapiro no solo estaba dedicada a la alta sociedad norteamericana sino que también posó su curiosidad sobre la gente de a pie, protagonistas de hechos históricos como la marcha sobre Washington pero también de la cruda realidad de la explotación laboral.

KORDA, retrato femenino. Museo Cerralbo. Madrid. Hasta el 6 de septiembre.

Alberto Díaz Gutiérrez (Cuba, 1928-2001), conocido como Korda, ha pasado a la historia sobre todo por el icónico retrato  que realizó del Che Guevara como guerrillero heroico. Ahora, dentro del festival PHotoEspaña, el público español podrá conocer una faceta no tan conocida del fotógrafo cubano, la de retratista de la belleza femenina. La muestra, comisariada por Ana Berruguete, muestra una amplia colección de retratos que destacanpor el uso de la luz natural y su particular estilo. La exposición permanecerá abierta hasta el 6 de septiembre.

El fotógrafo cubano, junto a Luis Pierce, creó en 1953 los Studios Korda, dedicados sobre todo a la fotografía publicitaria. El estudio recibía muchos encargos para realizar campañas publicitarias de grandes firmascomerciales, Korda siempre se reservaba para sí los trabajos que estaban relacionados con la belleza de la mujer.Muchos de estos reportajes vieron la luz en la revista cubana Carteles, donde en muchas ocasiones sus fotos seacompañaban de textos escritos por Cabrera Infante. Un diálogo muy interesante entre palabra e imagen.

A raíz del inicio de la Revolución cubana, Korda asumió la responsabilidad de mostrar al mundo el nuevo contexto políticosocial. Sustituyó el glamour de sus mujeres anteriores por los retratos de milicianas,campesinas o revolucionarias, unos retratos que muestran la fuerza y la pasión de unas mujeres queluchaban por un futuro y un mundo mejor, sin restarles por eso hermosura y feminidad.

TRAMA CENTROAMERICANA. Una mirada colectiva a la migración. Calcografía Nacional, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid. Hasta el 22 de julio

Cinco objetivos retratan la crudeza que trae consigo el intento de conseguir una vida mejor. Haber nacido al sur de Estados Unidos supone una merma de oportunidades, por lo que muchas personas toman la decisión de cruzar fronteras. No obstante, ninguno de ellos es consciente del martirio que les espera hasta su llegada a Norteamérica y, a veces, durante su estancia en la “tierra de la libertad”. Aun así, 500 mil centroamericanos cruzan México de manera ilegal cada año, arriesgándose a encontrarse con la muerte.

La Calcografía Nacional recoge en sus paredes este proyecto comisariado por Eliett Cabezas, con 70 instantáneas divididas en cinco series que retratan las distintas fases del fenómeno de la migración, en una exposición circular, metáfora de este proceso cíclico. En el centro de la sala, varios dispositivos de audio ponen una banda sonora a las series, con canciones sobre la emigración compuestas por inmigrantes. Conscientes de que es un tema manido, reivindican la necesidad y actualidad del mismo con las visiones subjetivas de fotógrafos españoles y latinoamericanos.

“México es el infierno de los inmigrantes”, son las palabras de Toni Arnau, uno de los fotógrafos del Colectivo RUIDO Photo, tras convivir como polizones durante un año con los ilegales que cruzaban el país centroamericano.En el camino es su retrato de quienes ansían llegar al Norte, una denuncia de las violaciones y masacres que suceden a diario y de las que no aparece noticia en ningún medio. Estos fotógrafos españoles eligieron perder la objetividad y posicionarse del lado de los huidos, aceptando establecer vínculos personales que a veces reportabannoticias de sus triunfos pero también de sus muertes.

La fotógrafa mexicana Dulce Pinzón se aleja de la fotografía documental para componer escenas donde los emigrados visten trajes de superhéroes. Ellos mismos se sienten como titanes por haber sobrevivido a las dificultades del camino pero también sus familias les consideran superhombres por poder enviar partidas de dineroy vivir en Estados Unidos. Ocultan y reversionan sus historias, edulcorando su realidad para evitar el dolor de sus familias.

Safe Heaven juega con el color y la intimidad de cinco mujeres en la comunidad hispana de Nueva York. En un formato analógico y cuadrado, Ruth Prieto cuenta cómo el interior de una vivienda puede ser hogar en el extranjero. Sus casas son el lugar seguro que les recuerda a sus orígenes frente a la hostilidad del exterior. Soncamareras o damas de compañía en la calle, pero en sus residencias son dueñas de su propio mundo.

Es curioso cómo el impacto económico que tienen las remesas (partidas de dinero enviadas desde el extranjero) transforman el paisaje arquitectónico de las comunidades de origen. La Arquitectura de remesas es unamiscelánea de lo norteamericano en sus formas frente a la humildad de los materiales autóctonos. Esta muestra de mejora de vida invita a los vecinos a arriesgarse y volver a iniciar el proceso de la migración.

Por último, las fotografías de Andrea Aragón cierran el círculo con Home, muestra de cómo la cultura estadounidense sedimenta en los emigrados, residentes en Norteamérica pero también en los que han regresado a países como Guatemala. Es una mirada a la cultura maya moderna y los efectos de la migración, que provoca el contraste en instantáneas de nativos vestidos al modo tradicional bajo la bandera estadounidense.

CHEMA MADOZ 2008-2014. Las reglas del juego. Sala Alcalá 31. Madrid. Hasta el 2 de agosto

Arañas que con sus hilos para hacer telas tejen en su lugar frases, constelaciones de estrellas bordadasliteralmente sobre tela negra en un viejo bastidor, nubes que al engancharse a las ramas de un árbol se convierten en su copa, sansebastianes construidos con maniquíes de medicina china tradicional traspasados por agujas de acupuntura en lugar de flechas, mariposas enjauladas… Las fotografías de Chema Madoz ha sido siempre underroche de imaginación creativa, un chispazo de inteligencia al mostrar conexiones en principio obvias, que estaban ahí, pero solo él ha sido capaz de ver primero.

PhotoEspaña presenta este año una muestra sobre el trabajo de este singular e inconfundible artista durante los últimos seis años. Los trucos, la magia y el poder de revelación de cada una de sus imágenes son los de siempre y algunas de sus obsesiones y selecciones de material también. Los libros, el tiempo, las partituras de música, el poder de la escritura… son elementos con los que siempre ha jugado, literalmente, en su construcción de poesías visuales. También sigue fiel al blanco y negro, cuyos infinitos matices de gris domina con una maestría asombrosa. Pero añade a muestras anteriores piezas de muy gran formato, llamadas de atención autorreferenciales y homenajes claros a otros creadores, especialmente a Magritte, cuyas nubes y sombreros reciben más de una ovación en esta selección de imágenes, y también a Mapplethore, un fotógrafo de la carne que no tiene aparentemente nada que ver con Madoz, y al que saluda con una elegante relectura de sus fotos de flores, aquí mudadas en conchas igual de sensuales.

Del éxito de sus propuestas y lo exitoso de sus fórmulas dan fe los rostros de los espectadores. Merece la penaproponer una mirada inversa a la exposición y, una vez vistas las obras, rehacer el camino, pero mirando la segunda vez a los rostros de los espectadores, que tras la fracción de segundo que tarden en comprender el mensaje desvelado en cada imagen se iluminan con sonrisas de felicidad y asentimiento.

 

CONSTRUYENDO MUNDOS. Fotografía y arquitectura en la era moderna. Museo Ico, Madrid. Hasta el 6 de septiembre

Esta exposición, organizada por el Barbican Centre de Londres y comisariada por Alona Pardo y Elias Redstone,llega ahora a Madrid después de haber recalado en Londres y Estocolmo. Con ella, a través de las obras de 18 fotógrafos, se descubren cambios sociales que van más allá de levantar estructuras (que también). La arquitectura moderna es una magnífica excusa para mostrar, por ejemplo, las huellas que en la ciudad y en la forma de vivir dejan el crecimiento provocado por la industrialización o por los conflictos bélicos. La primera parada, con la que se inicia el recorrido propuesto en el Museo Ico por casi un siglo de arquitectura, es en Nueva York, con el objetivo de la fotógrafa Berenice Abbott que recoge cómo la ciudad crece en altura y cómo influye en sus ciudadanos, Son fotografías en blanco y negro, como también lo son las de Walker Evans de la América rural: documentos cargados de lecturas sociales. El color aparece en las fotos de Julius Shulman, que los comisarios han catalogado como más pop; son imágenes soberbias e imprescindibles para conocer algunos de los emblemas de la arquitectura moderna en Estados Unidos. Este fotógrafo construía una puesta en escena capaz de mostrar con la arquitectura un estilo de vida.

También se refleja en esta exposición la especialcomplicidad y empatía que surge entre determinados fotógrafos y arquitectos (hay dos casos muy claros representados: Lucien Hervé y Le Corbusier y Luigi Ghirri y Aldo Rossi) y la labor del fotógrafo como un artista capaz de interpretar la realidad a través de su objetivo que se fija en construcciones, ya sean estas conocidas o anónimas, ya sea confiriendo un valor más frío y documental o más poético e intimo. La fotografía que encabeza este artículo es un proyecto de Aldo Rossi, fotografiado por Luigi Ghirri,Cementerio de San Cataldo, Módena; el osario en invierno, 1986. © 2014 Eredi Luigi Ghirri. Cortesía Luigi Ghirri Estate.

Luisa Lambri se acerca a la arquitectura fijándose en detalles íntimos que tienen que ver con cómo se habitan los espacios, como lo hizo en una de las casas de Frank Lloyd Wright: allí en vez de retratar la fachada u otro elemento representativo de la construcción, recoge mínimas filtraciones de luz natural en el interior de la vivienda.

Las fotos de Hélène Binet del Museo Judío de Berlín dan la razón al autor de este proyecto, el arquitecto Daniel Libeskind, cuando afirma que “cada vez que Hélène Binet hace una foto expone los logros, la fortaleza, el patetismo y la fragilidad de la arquitectura”. Son imágenes con muchísima fuerza y que encierran, entre esos muros, una expresividad enorme.

Iwan Baan, fotógrafo contemporáneo muy solicitado entre los arquitectos, presenta un proyecto muy personal que documenta la ocupación de la Torre David en Caracas. A propósito de este trabajo, en el catálogo editado para la exposición se plantea una cuestión interesante: “¿O descubre [Iwan Baan] quizá un ejemplo inspirador del poder colectivo de gentes desposeídas capaces de superar cualquier dificultad para crear una comunidad operativa y con aspiraciones, haciendo crecer un músculo aún esbelto pero sano sobre los huesos de la modernidad capitalista?”.Este edificio refleja una realidad muy distinta de la que inspiró su creación; cada una de las magníficas fotos que recoge la exposición del Museo Ico nos acercan a realidades muy diversas, a las que merece la pena asomarse a través de estas dieciocho miradas.

ALEIX PLADEMUNT, Premio Revelación PHotoEspaña al artista

Aleix Plademunt es el Premio Revelación PhotoEspaña, galardón concedido por el certamen y El Corte Inglés y que ha contado con un jurado prestigioso con profesionales entre los que se encuentran Rafael Doctor Roncero, Blanca Berlín o Cristina de Middel. Se ha valorado la precisión técnica, rigor formal y sensibilidad de su trabajo fotográfico. Su trabajo será proyectado en las pantallas de El Corte Inglés de Callao entre el 1 y el 7 de junio.

Este premio reconoce el trabajo de un artista español menor de 35 años cuya obra o publicación haya destacado durante el último año. En ediciones pasadas han obtenido este premio Carlos Irijalba, Carlos Sanva, Germán Gómez, NOPHOTO, Bleda y Rosa, Joan Morey, Lucía Arjona, Paco Gómez, Carmela García, Isabel Flores, David Jiménez y Xavier Ribas.